Concurso QTQ - victor rodriguez

Peter Bernstein

Nacido en Nueva York el 3 de septiembre de 1967, Pedro comenzó a tocar el piano cuando tenía 8 años, pero cambió a la guitarra cuando tenía 13 años, el aprendizaje del instrumento principalmente por el oído. Estudió Jazz en la Universidad de Rutgers con Ted Dunbar, y Kenny Barron. Completó sus estudios en The New School en Nueva York, donde conoció y estudió con uno de sus mentores e influencias de Jim Hall. En 1990, el Ayuntamiento pidió a Bernstein para jugar en un festival de jazz de la guitarra por invitación en la que John Scofield y Pat Metheny estaban realizando. Bernstein y Hall a cabo como un dúo, y han jugado juntos en este contexto, durante toda la carrera de Pedro. Ese mismo año el alma de jazz Lou Donaldson descubierto Bernstein y el Salón de jugar en varios de los registros de Lou. A lo largo de la década de 1990, Bernstein estaba en la vanguardia del jazz contemporáneo, sino que juega con Joshua Redman, Melvin Rhyne, Diana Krall, Larry Goldings, Bill Stewart, Jimmy Cobb, Lee Konitz, Roy Hargrove, Tom Harrell, Joe Lovano, Jack McDuff, Lonnie Smith, Eric Alexander, Brad Mehldau, Christian McBride, Mike LeDonne dijo y muchos más. Bernstein es conocido por su sonido de guitarra limpio cálido y sus líneas melódicas líricas.En 2008, Bernstein se convirtió en parte de The Blue Note 7, un septeto formado ese año en honor del 70 aniversario de Blue Note Records. El grupo grabó un álbum en 2008, titulado Mosaico, el cual fue lanzado en 2009 en Blue Note Records / EMI, y la gira por Estados Unidos en la promoción del álbum desde enero hasta abril de 2009. El grupo toca la música de Blue Note Los registros de varios artistas, con los arreglos de los miembros de la banda y Renee Rosnes Recientemente, Bernstein se ha unido a nuevo quinteto de Sonny Rollins ".DiscografíaComo líder

    * Algo de Burnin '(1992), con Brad Mehldau, Webber John y Jimmy Cobb
    * Los signos de la vida (1995), con Brad Mehldau, Christian McBride, Gregory Hutchinson y
    * Cerebro de Danza (1996), con Eric Alexander, Steve Davis, Billy Drummond, y Larry Goldings
    * Los tonos tierra (1997), con Larry Goldings y Bill Stewart
    * Corazón de Contenido (2002), con Brad Mehldau, Larry Grenadier y Bill Stewart
    * Los Extraños en el Paraíso (2004), con Brad Mehldau, Larry Grenadier y Bill Stewart
    * Monk (2009), con Doug Weiss y Bill Stewart
    * Live At Smalls (2010), con Richard Wyands, Webber John y Jimmy Cobb
Como co-líder

    * Los Dobles parejas (1994), como M.T.B. con Brad Mehldau, Mark Turner, Larry Grenadier, y Parker León
    * Grupo Quince Plays Monk (1999), como el Grupo de los Quince con Tom Aalfs y Jay Leonhart
    * Mosaic: A Celebration of Blue Note Records (2009), The Blue Note 7 con Bill Charlap, Ravi Coltrane, Lewis Nash, Nicholas Payton, Washington Pedro, y Steve WilsonComo sideman
Con Larry Goldings

    * La intimidad de los azules (1991)
    * Luz Azul (1992)
    * Caminhos Cruzados (1994)
    * Cueste lo que cueste (1995)
    * Big Stuff (1996)
    * Moonbird (1999)
    * [[As One (Larry Goldings álbum)
Con Melvin Rhyne

    * La leyenda (1991)
    * Jefe del órgano (1993)
    * Tell It Like It Is (1994)
    * Mel Spell (1995)
    * Sobre el inicio del Kick (1995)
    * Kojo (1997)
    * Los aztecas blues (1998)
    * Classmasters (1999)
    * Ayer Hoy Mañana (2003)
    * Frente y Centro (2007)
Con Mike LeDonne dijo

    * Para un urbanita Waltz (1995)
    * Smokin 'Out Loud (2004)
    * On Fire: Live At Smoke (2006)
Con otros

    * Brian Lynch - en el Evento Principal (1991)
    * Eric Alexander - Full Range (1995)
    * Walt Weiskopf - A World Away (1995)
    * Grant Stewart - Tonos más urbana (1996)
    * Ralph Lalama - Circle Line (1997)
    * Ryan Kisor - Battle Cry (1998)
    * Sam Yahel - Trio (1999)
    * Steve Davis - Hasta Vibe! (2000)
    * Michael Karn - In Focus (2000)
    * Ralph Bowen - Alma Titular (2002)
    * Wycliffe Gordon - Dig This! (2003)
    * Ryan Kisor - Despertar (2003)
    * Jim Rotondi - Nuevo Vistas (2004)
    * Joe Magnarelli - Hoop Dreams (2006)
    * Anton Schwartz - azul radiante (2006)
    * Steve Davis - Actualización (2006)
    * Ralph Bowen - Cinco (2008)
    * El Dr. Lonnie Smith - el arte de organizar (2009)

Joe Pass

Joe Pass
Joe Pass en 1975
Datos generales
Nombre real	Joseph Anthony Passalaqua
Nacimiento	13 de enero de 1929 New Brunswick, Nueva Jersey
Origen	New Brunswick, Nueva Jersey
Muerte	23 de mayo de 1994 Los Angeles, California
Ocupación	Músico, compositor
Información artística
Género(s)	Jazz, bebop
Instrumento(s)	Guitarra
Período de actividad	1943–1994
Discográfica(s)	Concord, Pablo, Fontana, World Pacific Pacific Jazz, Euphoria Jazz, Discovery,Amiga, Hot Wire

Joe Pass, Joseph Anthony Jacobi Passalaqua (New Brunswick, Nueva Jersey, 13 de enero de 1929 - Los Ángeles, 23 de mayo de 1994), fue un gran guitarrista de jazz estadounidense. Caracterizado por su uso del walking bass, del contrapunto melódico en medio del curso de una improvisación y de un estilo melódico de acordes, se trata de uno de los más alabados guitarristas del jazz, tanto por la crítica como por sus compañeros de profesión, a algunos de los cuales sirvió de eficiente acompañante en distintos trabajos.

Reseña biográfica

Este guitarrista se confesó siempre un ferviente admirador de Django Reinhardt e incluso en sus inicios formó un grupo a imagen y semejanza del Quinteto del Hot Club de Francia al tiempo que se interesaba por el bebop naciente. Sin embargo, no fue hasta principios de los sesenta cuando Joe Pass comenzó a convertirse en la popular figura que llegaría ser, especialmente de la mano del infatigable promotor Norman Granz, quien le transformó en una de las estrellas de la discográfica Pablo y le ofreció la posibilidad de medirse con artistas de la talla de Benny Carter, Milt Jackson o Ella Fitzgerald, con los cuales grabó algunas de sus mejores obras. Un buen ejemplo del saber hacer de este guitarrista lo tenemos en la colección de discos editados por el mencionado sello discográfico con el nombre de "Virtuoso". Impecable en la ejecución -nítida y pulcra sin por ello caer en la frialdad- e ingenioso en su fraseo, Joe Pass ha sido uno de los más personales guitarristas de las últimas décadas, creándose un estilo propio al margen de las grandes corrientes coetáneas de ese instrumento y estableciéndose como un elegantísimo acompañante que en ningún caso renunció a su propio discurso. Falleció en Los Ángeles, California en 1994.

Discografía

Nombre	Discográfica	Año
For Django (12")	Fontana[1]Pacific Jazz[2] /	1964
A Sign Of The Times (LP)	World Pacific	1965
Guitar Interludes (álbum) (2 versiones)	Discovery Records	1969
Guitar Interludes (LP, RE)	Discovery Records	1977
Guitar Interludes (LP, álbum)	Discovery Records	1969
Take Love Easy (LP)	Pablo Records	1974
Two For The Road (LP)	Pablo Records	1974
At The Montreux Jazz Festival 1975 (LP, álbum)	Pablo Records	1975
Virtuoso (LP, álbum)	Pablo Records	1975
Fitzgerald & Pass...Again (LP)	Pablo Records	1976
The Giants (LP, álbum)	Pablo Records	1977
Tudo Bem! (LP)	Pablo Records	1978
Virtuoso (LP, álbum)	PGP RTB	1978
"Chops" (LP)	Pablo Records	1979
Quadrant (LP)	Pablo Records	1979
Joe Pass (LP)	Amiga	1980
The Complete "Catch Me" Sessions (LP)	Blue Note	1980
Checkmate (LP)	Pablo Records	1981
Ira, George And Joe - Joe Pass Loves Gershwin (LP)	Pablo Records	1982
The Alternative Blues (LP, álbum)	Pablo Records	1982
Blues For 2 (LP)	Pablo Records	1983
The Best Of Joe Pass (LP)	Pablo Records	1983
Live At Long Beach City College (LP)	Pablo Records	1984
Whitestone (LP)	Pablo Records	1985
Easy Living (CD)	Pablo Records	1986
Speak Love (CD, álbum)	Pablo Records	1987
Blues For Fred (CD, álbum)	Pablo Records	1988
Montreux '77 (CD)	Pablo Records	1989
Montreux '77 (LP)	Pablo Records	1989
Summer Nights (LP)	Pablo Records	1990
Two For The Road (CD)	Fantasy	1992
Porgy And Bess (CD, álbum, RM)	Fantasy	1994
Better Days (CD, Comp.)	Hot Wire Records, EFA	1995
Guitar Virtuoso (4CD, Comp.)	Pablo Records	1997
Oscar Peterson Et Joe Pass À La Salle Pleyel (2CD, álbum)	Pablo Records	1997
Checkmate (CD, álbum)	Original Jazz Classics	1998
Meditation (CD, álbum)	Pablo Records	2002
Simplicity / A Sign Of The Times (CD, RE)	Euphoria Jazz	2002
A Man And His Guitar - Live At Long Beach City College (CD, álbum)	Pablo Records

Luis Salinas es un guitarrista y compositor nacido el 24 de junio de 1957, en Monte Grande, al sur del gran Buenos Aires, Argentina.
La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde muy pequeño, “el gusto por tocar todos los géneros viene de ahí”, explicó. Pese a haber comprado su primera guitarra a los 27 años, esta pasión venía desde la cuna. El lugar que marcaría un antes y un después en su carrera fue “El papagayo”, célebre pub, donde tocó durante ocho años. Es un músico autodidacta, el cual no estudió en ningún conservatorio, gran improvisador, de original capacidad interpretativa. Compartió experiencias con varios grandes del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgán. También tocó con Egle Martin, Jaime Torres y grabó un disco de tango con María Graña. Lleva grabados nueve discos, entre ellos, “Música Argentina 1 y 2” donde tocando la guitarra criolla hizo un recorrido por el folklore y el tango, “Ahí va”, por el que recibió su segundo premio Gardel, en el cual vuelve al sonido eléctrico del latín jazz. "Luis Salinas y amigos en España", se grabó en 2004 en Barcelona junto a músicos de la calidad de Tomatito, Horacio Fumero, Oscar Giunta, Javier Colina, Jorge Bonell, Jorge Pardo y Perico Sambeat entre otros. En mayo de 2006 presentó su cd doble, "Muchas cosas". Durante su carrera tocó con grandes guitarristas como el mismísimo B.B. King y músicos de la talla de Hermeto Pascoal.

Discografía

• Salsalinas, 1994
• Aire de tango, 1994
• Salinas, 1996
• Solo guitarra, 1997
• Rosario, 2001
• El Guitarrazo, 2001
• Música argentina 2, 2002
• Música argentina 1, 2002
• Ahí va, 2003
• Salinas y amigos en España, 2005
• Muchas cosas, 2006
• En vivo en el Rosedal, 2006
• Clásicos de Música Argentina (5CD BOX), 2007
• Luis Salinas En Vivo - Día 1 (Presentación Clásicos de Música Argentina)2009
• Luis Salinas En Vivo - Día 2 - TANGO (Presentación Clásicos de Música Argentina) 2009
• Luis Salinas En Vivo - Día 3 (Presentación Clásicos de Música Argentina) 2010
• Sin Tiempo (3CD) 2010.

Premios

Premio	Rubro	País	Año
Gardel	Mejor álbum de folclore "Música Argentina Volumen 1 y 2"	Argentina	2003
Gardel	Mejor álbum de jazz "Ahí Va"	Argentina	2004
Konex	Mejor solista instrumental de la última década	Argentina	2005
Gardel	Mejor álbum de jazz "Luis Salinas y amigos en España"	Argentina	2006
Diploma	"Personalidad destacada de la cultura" Salón Dorado, Pcio Legislativo	Argentina	2006

Jonh Scofield

Comienzos

Aunque nació en Dayton, Ohio, se crio en Wilton, Connecticut, donde se aficionó al blues y al rock and roll. Tocó por primera vez una guitarra con 12 años de edad, pero no empezó a practicar en serio hasta los 15, cuando asistió a clases de jazz con un profesor de la zona. En su adolescencia, Scofield tocaba Rythm & Blues, blues urbano, soul y rock and roll de grupos locales, pero pronto se sintió fascinado por la guitarra de jazz y asimiló muy deprisa los estilos de Wes Montgomery, Tal Farlow, Barney Kessel y Jim Hall, todos ellos destacados jazzistas de los sesenta. Dejó el instituto en 1970 y marchó a Boston para estudiar jazz en la Berklee School of Music con Jim Hall y Mick Goodrick, dos de los guitarristas de jazz mas importantes de todos los tiempos.

Carrera

Su primer trabajo como músico fue en colaboración con el vibrafonista Gary Burton, otro profesor de Berklee. Su segunda y gran oportunidad le llegó cuando, recomendado por Mick Godrick, fue invitado a tocar con una banda liderada por el saxofonista Gerry Mulligan y el trompetista Chet Baker en un concierto en el Carnegie Hall. La forma de tocar de Scofield llamó enseguida la atención de otros músicos y el grupo de jazz rock del batería Billy Cobham lo invitó a unirse a ellos en 1975. También trabajó con el famoso bajista de jazz Charles Mingus y con el teclista George Duke a finales de los setenta.
Poco después de grabar un disco en solitario, Sinola (1982), Scofield se unió a la banda del trompetista Miles Davis. Miles siempre tuvo la habilidad de extraer lo mejor de sus músicos, y Scofield no fue una excepción. En los tres años que trabajó con él, su música se perfeccionó. Desarrolló un estilo único caracterizado por originales licks propios del blues y un inusual fraseo across-the-beat. Scofield comentó más adelante: "Trabajar con Miles me demostró que era posible hacer música funky e improvisada a la vez". Esta polinización cruzada entre el funk y el jazz improvisador era aún más evidente en algunas de las magníficas grabaciones que hizo con su propia banda en los ochenta: Electric Outlet (1984), el funky still Warm (1986), Blue Matter (1987) y Loud Jazz (1988). Todos estos discos exhibían un impulso y un carácter que habían faltado en los de 1982.
A lo largo de los años, la forma de tocar de Scofield maduró todavía más y le llevó a producir una serie de álbumes de jazz originales y aclamados por la crítica como Time on My Hands (1990), Hand Jive (1984), el excepcional Quiet (1996), que acusa la influencia de Gil Evans y A Go Go (1998). También ha tocado y grabado con muchos otros jazzistas del más alto nivel, como los guitarristas Pat Metheny, Bill Frisell y John Abercrombie, los bajistas Steve Swalow y Charlie Haden y los percusionistas Dennis Chambers y Jack DeJohnette.

Discografía

John Scofield tocando en el International Jazz Festival Enschede, 2007.

Como líder o co-líder

• Piety Street (2009) - Emarcy Records
• This Meets That (2007) - Emarcy Records
• Out Louder (2006) - as Medeski Scofield Martin & Wood - Indirecto
• Saudades (2006) - as Trio Beyond - ECM
• That's What I Say: John Scofield Plays the Music of Ray Charles (2005) - Verve
• EnRoute: John Scofield Trio LIVE (2004) - Verve
• Scorched (2004) - w/Mark-Anthony Turnage - DG Deutsche Grammophon
• Up All Night (2003) - Verve
• Oh! (2003) - as ScoLoHoFo - Blue Note
• Überjam (2002) - Verve
• Works For Me (2001) - Verve
• Steady Groovin': The Blue Note Groove Sides (2000) - Blue Note
• Bump (2000) - Verve
• A Go Go (1998) - Verve
• Quiet (1996) - Verve
• Groove Elation (1995) - Blue Note
• Liquid Fire: The Best of John Scofield (1994) - Gramavision
• Hand Jive (1994) - Blue Note
• I Can See Your House From Here (1994) - w/Pat Metheny - Blue Note
• What We Do (1993) - Blue Note
• Grace Under Pressure (1992) - Blue Note
• Meant To Be (1991) - Blue Note
• Slo Sco:The Best of the Ballads (1990) - Gramavision
• Time on My Hands (1990) - Blue Note
• Best of John Scofield (1989) - Blue Note
• Flat Out (1988) - Gramavision
• Pick Hits Live (1987) - Gramavision
• Loud Jazz (1987) - Gramavision
• Blue Matter (1986) - Gramavision
• Still Warm (1985) - Gramavision
• Electric Outlet (1984) - Gramavision
• Shinola (1981) - Enja Records
• Out Like a Light (1981) - Enja Records
• Bar Talk (1980) - Jive/Novus
• Who's Who? (1979) - Jive/Novus
• Rough House (1978) - Enja Records
• John Scofield Live (1977) - Enja Records
• East Meets West (1977) - Black Hawk

Anthony Jackson

Biografía

Anthony Jackson ha sido una voz única en el bajo eléctrico desde que llegó a la escena musical de Nueva York. En su juventud comenzó a tocar el piano, antes de pasarse a la guitarra y finalmente, influenciado por el legendario bajista de la Motown James Jamerson, adoptó el bajo eléctrico como su instrumento principal. A los 18 años, Jackson empezó a trabajar como bajista de sesión, contando ya por entonces con una gran demanda.

Estilo e influencias

Los músicos familiarizados con Jackson saben que posee un estilo muy personal. Este estilo puede atribuirse parcialmente a las influencias musicales de Jackson:

• James Jamerson – uno de los más destacados bajistas de la factoría Motown, y el primer virtuoso del bajo;
• Jack Casady, del grupo Jefferson Airplane, y
• Olivier Messiaen, el compositor francés.

La influencia de Jamerson en el estilo de Jackson es fácilmente perceptible para cualquier oyente familiarizado con ambos bajistas, especialmente en temas de Jamerson como “How Long Has That Evening Train Been Gone?”, de Diana Ross y las Supremes. El uso de arpegios y notas de paso para la expresión simultánea de la armonía y el ritmo, y breves pasajes de unisono con la melodía u otros instrumentos son reveladores.
Uno de los rasgos más destacables del estilo de Jackson es su habilidad de haberse inspirado en el lenguaje de Jamerson -un músico de soul- para aplicarlo en cualquier otro estilo. Hoy en día la mayoría de grabaciones de Jackson no tienen nada que ver con ninguna grabación de la Motown, excepto por la evidente presencia de la influencia de Jamerson.
Tal vez más sorprendente para algunos resultará la influencia que Jackson reconoce haber tenido por parte de Jack Casady.

“Casady, a quien escuché por primera vez en el disco de 1966 Surrealistic Pillow de Jefferson Airplane, tenía un sonido grande, rico, metálico y muy grueso, y una curiosa manera de tocar curiosa, guitarrística, que me atrajo inmediatamente. Cuando le vi tocar en directo, me impactó su dignidad y seriedad.”

, afirmaba Jackson en 1990, en una entrevista en la revista Bass Player. (Nótese que esta cita deja entrever la fascinación de Jackson por la relación entre el bajo y la guitarra - véase más abajo.).
Casady tocaba con púa, técnica que siempre ha formado parte del repertorio de Jackson.

“Fue el sonido de Casady lo que me llevó a explorar las posibilidades expresivas de usar la púa. Hasta hoy en día, cuando la uso junto a un flanger, la influencia de Casady emerge y puede ser claramente detectada por cualquier aficionado.”

La otra gran influencia de Jackson es probablemente quien menos se espera que sea una de las principales influencias para un bajista.
La música del compositor Olivier Messiaen cambió la vida de Jackson "irrevocablemente y para siempre", en sus propias palabras. Fue la suite para órgano “La Nativité du Seigneur” del compositor francés la que tanto impresionó a Jackson, quien subrayó que

“Yo oigo el tritono como el intervalo central sobre el que construir armonías y melodías, opuestamente a la tercera mayor o menor... El intervalo de tritono ha sido de suma importancia para mí desde el primer día en que escuché a Messiaen tocando su propia música en el órgano.”

Escuchando tocar a Jackson, especialmente en los contextos más libres, se pueden oír tritonos frecuentemente, mientras se mueve por el diapasón de su enorme "guitarra contrabajo" Fodera, de 28 trastes y escala de 36 pulgadas.

Jackson y el bajo de seis cuerdas

Jackson fue el inventor de lo que se ha dado en llamar «bajo de seis cuerdas», un bajo cuyas cuerdas están afinadas en si-mi-la-re-sol-do. Su idea, que él bautizó como "guitarra contrabajo", se adelantó a cualquier bajo estándar de seis cuerdas en más de veinte años.
Jackson explica que su idea de añadirle más cuerdas al bajo tuvo su origen en la necesidad de ampliar la tesitura del instrumento, y en su frustración con la pérdida de sonido y de notas agudas que experimentaba si rebajaba la afinación de las cuatro cuerdas.
Cuando se le pide su opinión sobre las críticas acerca del seis cuerdas, Jackson responde:

“¿Por qué son cuatro cuerdas lo normal y no seis? Siendo el miembro más grave de la familia de la guitarra, el instrumento debería haber tenido seis cuerdas desde el principio. El único motivo por el que fueron cuatro es porque Leo Fender estaba pensando en un instrumento que tuviera la función de un contrabajo, pero lo construyó con forma de guitarra porque son los instrumentos que él construía. El concepto lógico de una guitarra bajo conlleva que tenga seis cuerdas."

(bass guitar, "guitarra bajo", es una de las denominaciones del bajo en inglés)
Aunque Jackson tuvo la idea años antes, y empezó a encargar a varios luthiers bajos de seis cuerdas desde 1974, no fue hasta 1981 cuando Jackson comenzó a tocar exclusivamente bajos de seis cuerdas.
Su primer seis cuerdas lo construyó Carl Thompson en 1975, y posteriormente utilizó bajos construidos por Fodera.
De hecho, Jackson empezó en la música tocando la guitarra, habiendo llegado a estudiar con el reconocido guitarrista de jazz Pat Martino. Esta exposición inicial a la guitarra y su posterior paso al bajo conformaron en parte la actitud de Jackson acerca del bajo: que éste es también una guitarra, sencillamente el miembro más grave de la familia de la guitarra, y no una versión del contrabajo más sencilla, con más volumen y con cuerpo sólido, construida por un constructor de guitarras para los contrabajistas.
A juzgar por numerosos créditos en los discos, en los que el instrumento que toca Jackson aparece referido como "guitarra contrabajo", en oposición a simplemente "bajo" o "bajo eléctrico", Jackson parece seguir queriendo subrayar la importancia de la relación entre el bajo y la guitarra, aunque sin negar que el rol actual de su instrumento es diferente de el de una guitarra tradicional. La manera en la que se refiere al instrumento, especialmente en el contexto de su innovación, sugiere que se compare con la relación entre otros instrumentos que también comparten familia, como la viola y el cello.
El bajo eléctrico fue hecho, desde el punto de vista de Jackson, con características del contrabajo por razones de marketing, aunque en realidad es una guitarra.

Discografía

Anthony Jackson ha trabajado con un sinfín de músicos, entre ellos:

• Michel Camilo (Rendez Vous, Triángulo, Thru My Eyes, Why Not?, One More Once, Vocal RendezVous)
• Chick Corea (Leprechaun)
• Billy Cobham
• Steely Dan (Gaucho, My Rival, Glamour Profession)
• Al Di Meola (Casino, Elegant Gypsy, Electric Rendezvous, Tour De Force, Splendido Hotel, Kiss My Axe, Flesh on Flesh)
• Donald Fagen (The Nightfly, I.G.Y, What A Beautiful World, Ruby Baby)
• Roberta Flack (Feel Like Makin' Love)
• Steve Gadd
• Chaka Khan (Naughty ,What Cha' Gonna Do for Me, Chaka)
• Steve Khan
• Wayne Krantz (Your Basic Live '06, Signals)
• Biréli Lagrène (My Favorite Django)
• Pat Metheny (Secret Story)
• Michel Petrucciani (Playground, Both Worlds, Trio In Tokyo)
• Simon Phillips (Force Majeure (1992), Another Lifetime (1997) )
• Buddy Rich
• Lee Ritenour (World Of Brazil, OverTime)
• Alejandro Sanz (No Es Lo Mismo (2003))
• Paul Simon (One Trick Pony, Hearts And Bones)
• Mike Stern (Odds Or Evens, Who Let The Cats Out?)
• Hiromi (Another Mind, Brain, Voice)
• Michael Urbaniak
• Dave Weckl (Masterplan, Hard Wired)
• Rob Whitlock (Sketchin' vol.1, Sketchin'2)
• Amber Whitlock (The Colours Of Life)
• The O'Jays (Ship Ahoy)
• The O'Jays (Survival]]

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Gary Burton

Comenzó a aprender música a los seis años, y a partir de ahí aprendió a tocar la marimba y el vibráfono sobre todo de manera autodidacta. Empezó también a estudiar piano a los 16 años al acabar de recibir la educación secundaria en Princeton (Indiana). Burton cita al pianista Bill Evans como una fuente principal de inspiración en su manera de tocar el vibráfono.
Burton asistió a la Escuela de Música de Berklee, en Boston, durante el curso de 1960 a 1961. Tuvo de profesor a Herb Pomeroy y pronto hizo amistad con el compositor y arreglista Michael Gibbs. Tras establecer su carrera durante la década de 1960, Gary Burton volvió a formar parte del personal de la escuela de Berklee desde 1971 hasta el 2004, primero como profesor, después como decano y por último como vicepresidente ejecutivo durante la última década de su estancia.
En una etapa temprana de su carrera y a petición del saxofonista de Nashville Boots Randolph, Burton se desplazó a esa ciudad y llevó a cabo grabaciones con destacados músicos de allí, entre ellos los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins y el pianista Floyd Cramer.
Después de una gira en 1963 por los Estados Unidos y el Japón con el pianista George Shearing, Burton estuvo tocando con el saxofonista Stan Getz de 1964 a 1966. En 1967, montó el Gary Burton Quartet con el guitarrista Larry Coryell, el baterista Roy Haynes y el bajista Steve Swallow. Anticipándose al jazz-rock de los 70, el primer disco del cuarteto, "Duster", combinaba rasgos del jazz, el country y el rock. De todas maneras, algunos de los álbumes anteriores de Burton (en especial "Tennessee Firebird" y "Time Machine", de 1966 uno y otro) ya habían mostrado su inclinación hacia la experimentación con diversos géneros de música popular. Después de que Coryell dejase el cuarteto a finales de los 60, Burton iría reclutando a reputados guitarristas como Jerry Hahn, David Pritchard, Mick Goodrick, Pat Metheny, John Scofield, Kurt Rosenwinkel y, en los últimos tiempos, Julian Lage para el proyecto Next Generation.
Tras ser nombrado en 1968 Jazzman del Año por la revista "Downbeat", con lo que se convirtió en la persona más joven que hubiera recibido ese galardón, y después de ganar un premio Grammy en 1972, Burton emprendió una colaboración con Chick Corea que dura ya 36 años, y que ha contribuido grandemente a popularizar el formato de dúo en el mundo del jazz. Más premios Grammy llegaron, ahora para la pareja, en los años 1979, 1981, 1997, 1999 y, por último, en el 2009 con el disco "The New Crystal Silence". Ya son 6 los discos que han grabado oficialmente como dúo.
Desde el 2004 hasta el 2008, Burton dirigió un programa semanal de jazz en la emisora de radio Sirius Satellite y desde septiembre del 2006 hasta abril del 2008, Burton llevó a cabo con Chick Corea una gira mundial de celebración de sus 35 años de trabajo juntos. Últimamente, Burton ha hecho giras y ha grabado con Pat Metheny, Steve Swallow y Antonio Sánchez (The Gary Burton Quartet Revisited), retomando con éstos últimos la música del grupo de Gary Burton de los años 70.
Burton ha tocado con numerosos músicos de jazz, entre ellos Carla Bley, Gato Barbieri, Keith Jarrett, Chick Corea, Steve Lacy, Pat Metheny, Makoto Ozone, Adam Nussbaum, Tiger Okoshi, Stan Getz, Herbie Hancock, B.B. King, Wolfgang Muthspiel, Tommy Smith, Eberhard Weber y Stéphane Grappelli, y también con la primera figura del tango, Astor Piazzolla.

Vida personal

Tras un primer casamiento llevado a cabo en la veintena, Burton se desposó por segunda vez en 1975 con Catherine Goldwyn, nieta del famoso cineasta Samuel Goldwyn. Unida durante casi una década, la pareja tuvo dos hijos: Stephanie, que nació en 1978, y Sam, que nació en 1980. A mediados de los 80, Burton hizo lo que se llama "salir del armario" en una entrevista en el programa de radio de la NPR "Fresh Air", presentado por Terri Gross. Desde hace unos 5 años, Burton vive en Florida con su compañero Jonathan Chong.

Estilo

"Burton ha desarrollado un estilo pianístico de tocar el vibráfono mediante el empleo de la técnica de 4 baquetas (2 en cada mano) como complemento y ampliación de la de 2 (una en cada mano), por lo que se le considera un innovador en este campo, y su técnica y su estilo son ampliamente imitados".
Su técnica particular consiste en la posición de la mano con el pulgar orientado hacia arriba, lo que hace que para algunas personas la mano esté más relajada y resulte más cómodo tocar, pero tiene el inconveniente de que una baqueta queda más en alto que la otra, por lo que no es fácil igualar el volumen del sonido de la superior y la inferior.
También es algo particular suyo en el jazz el empleo de la técnica de 6 baquetas (3 en cada mano). De todas maneras, ni una técnica ni otra son exclusivas suyas en el jazz, y menos en el ámbito general: en la música de marimba popular es frecuente el empleo de varias baquetas en cada mano. En general, el empleo de más de 4 baquetas en total no es necesario a efectos armónicos, y tiene otros fines más bien de carácter tímbrico o de refuerzo de alguna de las voces instrumentales.
"Burton es conocido también como uno de los pioneros del jazz de fusión, como popularizador del formato de dúo y por ser una figura de primer orden en el campo de la didáctica del jazz".